西区故事1961

这是一篇《影视欣赏》课程的课程论文，文字比较书面化。。。
      人间的悲欢离合几乎已经被写尽，可以说莎士比亚之后再无新的故事。所以无论是当代文学创作还是戏剧影视创作所面临的最大挑战都是故事的匮乏。故事的内容并没有随着时代的发展而发展，只是在不断地重复。就戏剧影视作品而言，为了能够突破这种没有新故事的局限，逐渐发展出了两种行之有效的方法，一种方法是尝试用新的表现方式来讲述那些古老的故事。因为值得庆幸的是相比故事本身的匮乏，故事的表现形式却从未停止推陈出新的步伐。另一种方法就是结合不同的时代背景为相同的故事赋予不同的时代意义，也就是“旧瓶装新酒”。可以说《西区故事》就是一部成功做到了以上两点的舞台剧。
      《西区故事》改编自莎士比亚的经典戏剧《罗密欧与朱丽叶》。故事发生的场景由16世纪的英国转换至19世纪60年代的美国纽约西区，《罗密欧与朱丽叶》中结有世仇的凯普莱特和蒙太古两大家族变成了《西区故事》中两个势不两立的分别由当地白人和波多黎各移民组成的少年流氓集团。而男女主人公则由莎翁笔下来自敌对家族的罗密欧与朱丽叶变成了与两大帮派各有渊源的托尼和玛利亚。同样火热的爱情遇到了不同时代背景下的巨大阻力，虽然在戏剧作品中，脆弱的爱情又一次夭折于残酷的现实，但同样的悲剧结局丝毫不影响爱情在观众心中取得的又一次巨大胜利。永恒的爱情故事结合深刻的移民问题，再用音乐剧的艺术形式加以表现，《西区故事》这部1961年的作品能够在当年的奥斯卡上夺得11座小金人，并且一直被广大影迷奉为舞台剧的经典之作，所凭借的并非全是运气。
       众所周知美国是一个移民国家，一方面吸纳世界各地的人才为己所用是美国能够称霸世界的重要优势，另一方面复杂的移民问题一直是美国社会最大的问题之一。尤其是本土文化与移民文化之间的冲突与融合几乎贯穿了整个美国国史。也许今天看来，奥巴马能够成功当选美国总统这一事实足以证明美国社会对移民的态度已经发生了翻天覆地的变化，移民以及移民的后代得以步入美国社会的核心，但在上个世纪50年代，美国社会正处于移民问题的高发期，“移民”一词还是一个带有强烈贬义的词汇。《西区故事》正是发生在这样的时代背景下。剧中波多黎各移民“鲨鱼”帮的头领贝尔纳尔和他的女友阿米达集中体现了移民内心的矛盾，并通过一段两人之间精彩的对手戏加以呈现。移民们一方面为能够成为一个自由的美国人而感到自豪，对融入美国生活实现美国梦充满了期待，所以很多人会像阿米达一样自豪地高喊自己“已经是一个美国女孩了”。另一方面又对美国本土文化保持着警惕甚至是抗拒的心态，就像贝尔纳尔一样不信任任何当地白人。这种矛盾也许是造成美国移民问题如此复杂的原因之一吧。
       艺术创作总是伴随着对现实的批判，《西区故事》也不例外。影片开头就是一组纽约城的航拍镜头，镜头在掠过繁华的中心地区之后，停留拉近至西区的一个球场。这里是纽约的贫民区，聚集着移民和社会底层的人士。他们不被主流社会所接纳，这个社会对待他们的态度就像当地警官对待他们的态度一样粗暴蛮横，从来没有试图去理解或者倾听他们。从某种程度上来说，造成这一社会悲剧的就是社会本身。片中有一段当地白人帮派头领李弗的精彩而深刻的内心独白，“我们只是在成长，我们自己也无法控制。母亲吸毒，父亲酗酒，我只好出来当混混。我们也很忧虑，我们没有得到应有的爱，我们没有过错，我们只是被误解。”这种心酸与无奈虽然是通过轻松的方式吟唱出来，但对生活有所了解的观众都不难体会到背后的那份沉重。这无疑是对社会现状的强烈控诉，加深了全剧的思想内涵。
       与《罗密欧与朱丽叶》一样，《西区故事》本质上是一部悲剧。男主角深陷兄弟情义与爱情的两难选择之中，悲剧命运早已注定，就像两股力道往反方向拉扯，最后除了被撕裂已是别无选择。相比纯粹的悲剧性的描述手法，歌舞剧的表现形式更显生动有趣，尤其是前半部分不乏喜剧色彩，舞蹈动作更是充满活力。这种情绪的转换减轻了作品主题的沉重感，同时扩大了作品的情感张力。由于艺术欣赏能力有限，对一部音乐片的音乐和舞蹈不能做详细的分析，不能不说是一种遗憾，但即使是一个门外汉也会被这部电影所吸引。让我留下深刻印象的就是片中多段群舞。两个帮派之间的正面冲突都是用独特的舞蹈来表现，配上伯恩斯坦的音乐之后，用强烈的节奏感和动作感来表现紧张激烈的斗争气氛，双方之间剑拨弩张针锋相对的气氛表现得淋漓尽致，舞蹈音乐与表演的巧妙配合所达到的效果不亚于如今用特效拍摄的动作场面，这就是艺术的效果也是舞台剧的魅力所在。

       一提到伯恩斯坦（Bernstein），总是会顺带提上他的身份：指挥家，作曲家，钢琴家，教育家。他的身影活跃在20世纪世界古典音乐舞台的各个角落。一个美国人，犹太人，双性恋。不管从任何角度看，伯恩斯坦都是一个令人争议的人物。作为第一个为世人所知的美国指挥家，他的指挥风格也是充满争议的，那种豪放不羁的挑逗性的指挥风格与欧洲的“高雅艺术”似乎格格不入。但与此同时他的博采众长又不能不令人佩服。就是这样一个矛盾的人物，致力于把欧洲的古典音乐带入20世纪的美国社会，从而诞生了这样一部伟大的作品——《西区故事》。对于伯恩斯坦来说，西区故事并不是最完美的。他一直在追求的人生目标，打破音乐的国界并提高古典音乐的流行地位，其实并没有实现。他永远在哀伤于创造不出一部最伟大的作品来创造历史。但对于20世纪音乐史来说，《西区故事》是独一无二的，是划时代的。伯恩斯坦把美国的爵士乐与欧洲的交响乐的结合得天衣无缝；他把悲剧与古典艺术带进了一部本应属于工人阶级娱乐的百老汇音乐剧；音乐的深度与听众的可达性得到了前所未有的统一。

       西区故事取材于1950年美国纽约西区贫民窟的少年帮派斗争——事实上映射了当时美国的来自于波多黎各移民大潮。而如何从音乐的角度表现这一矛盾成为了伯恩斯坦的一个主要目标。于是他重点采用了拉丁舞曲和爵士乐来表现这一争斗。爵士乐对于伯恩斯坦来说就如从小听到大的街头音乐，可谓是信手拈来。从本片一开场的序幕（Prologue）开始，就充满了爵士的味道（从音乐理论的角度，运用了众多爵士乐的因素譬如小三度音程（minor 3rd），大七度音程（major 7th），九和弦（dominant ninth），以及风格鲜明的附点（syncopation），行走贝斯（walking bass）等等，并且着重突出萨克斯及小号的运用）。

       而让这些爵士乐因素得到升华的，恰恰是伯恩斯坦多年来受的古典音乐教育。这种极其不规则的节奏和不和谐的和弦运用（比如大和弦与小和弦的叠加）无疑是受到了20世纪现代音乐的影响，最突出的例子，就是斯特拉文斯（Stravinsky）。除了现代音乐对伯恩斯坦的影响，古典音乐的曲式（form），对于乐思（motif）的展开也是十分讲究的。仔细观察就可以发现，组成每首曲子并且将整部音乐剧贯穿起来的其实是几个很小的乐思包括之前提到的大七度音程，还有很重要的增四度音程。通过对这些因素的旋律节奏和和声上的丰富变化而形成了不同的曲子以搭配不同的场景。这种能力唯有受过古典音乐教育的人才能够做到。

       伯恩斯坦对于曲式的应用也体现在《西区故事》中。比如，在“Cool”这一场景中他用了赋格（fugue）的写法，为了表现此时Riff死后火箭帮们的不安。“Tonight”是这部音乐剧中另一个重要的片段，此刻的场景描写的是一个重要的夜晚，一个所有的人都在期待的重要的夜晚——鲨鱼帮，火箭帮，托尼，玛利亚，还有安妮塔，而每个人都对着一个夜晚有着不同的期待。伯恩斯坦对于这重要场景在音乐上的编配把这部音乐剧推向了一个小高潮：一个五声部合唱（quintet），由每个成员轮流唱出他们的声部，每个声部不管在感情还是旋律和声上都是截然不同的，渐渐地五个声部开始叠加在一起，通过复杂的和声连接起来，最终达到了在同一个时间表现5个角色的不同情感——可谓是整部音乐剧的画龙点睛之笔。伯恩斯坦并不是第一个在百老汇音乐剧中运用这种手法的作曲家，但他对于这种手法的纯熟运用成为此剧中一大亮点。

       以上是对这部音乐剧从音乐角度的一点赏析——作为一部音乐剧，赏析的角度必然与赏析电影有所区别。伯恩斯坦是伟大的并令人争议的。他的多重性格在《西区故事》中的体现也是令人争议的。个人对这部剧以及伯恩斯坦是无比崇拜与热爱的，并且在不断地学习中，所以希望能写出自己的一点点感想与大家分享。

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虽然是老掉牙了，毕竟还是经典。看看吧

《西区故事》可以说直接脱胎于莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》，但是如果它仅仅是忠于原著地，机械地翻拍，将其搬上银幕的话，这部片子也不过是无数《罗米欧与朱丽叶》翻拍版中的沧海一粟罢了。也就不会有它之后所创造的11座小金人的传奇了。
对于翻拍莎翁的经典，西区故事可以说做到了两个创新。一、首次以歌舞片的形式来诠释这部经典悲剧。这在影片的表现手法上是一大突破。而它在音乐上所取得的成就是毋庸置疑的。众多大大小小的影视音乐奖项证明了这一点，它更是一举囊括了当年奥斯卡的最佳音乐奖、最佳音效奖、最佳艺术指导奖。其中《Maria》和《Tonight》两首更是经典之中的经典，传唱一时。
其二，在我看来更为宝贵的是影片在思想深度上的挖掘，这远比其在艺术表现手法上的突破更为令我叹服。对比《西区故事》以及《罗密欧与朱丽叶》的故事创作背景我们不难发现，两者都处于社会的变革期，社会思潮激荡，人们对于社会问题的思考和关注得到空前的加强。莎士比亚创作《罗》时，即文艺复兴运动时期，这个时期欧洲封建社会逐渐解体，资本主义生产方式逐渐兴起，新兴的资本阶级开始向封建贵族挑战，这种挑战从现实生活领域一直延伸到意识形态领域。罗密欧与朱丽叶两人“离经叛道”的爱情挑战了封建制度下的家族利益，因而不被两大家族所允许，却得到了社会大多数的同情与支持。这在无形中宣扬了人文主义。反观60年代的美国，随着第三次以拉丁裔移民为主的移民潮的到来，美国的移民问题再次成为了社会矛盾的焦点之一。这群拉丁裔的移民受制于自己的文化水平以及独特的文化基因，难以顺利地融入到美国本土社会中，美利坚向来引以为豪的文化凝聚力受到了前所未有的挑战，从而招致了美国主流社会的不满以及政治政策的限制。而60年代正是美国人口增长，贫富差距进一步拉大的年代，本土美国人生活也日益艰辛。外来移民与本土人之间的矛盾日益激化，一触即发。这些生活在社会底层的弱势人群的生活状态引起了向来左倾的好莱坞电影人的关注。于是乎，好莱坞人再一次“铁肩担道义，妙笔著文章”。
影片一开始并没有急于开始讲述故事，而是给出了一段连续的航拍镜头，镜头中纽约城中林立的摩天大楼好似钢精混凝土制的原始丛林，仿佛是在向观众控诉。当代人类如兽类一般遵守着弱肉强食的丛林法则，似乎在暗示着这个城市的无情。同时也呼应着影片之后两大帮派因为争夺地盘以及各种矛盾而发生的大大小小的火拼厮杀。此外，在大工业生产之下，人性不再被关注，以往的人文关怀缺位，人如同草芥一般微小而不可见，满眼望去尽是大工业化的产物。
在影片所构造反映的这个残酷世界里并没有公正可言。原本该主持正义的国家暴力机关似乎总是缺位的，以警官为代表的国家机器总是在矛盾发生之后姗姗来迟抑或是对发生在眼前一触即发的冲突置若罔闻。这样的社会与丛里已经没有了分别，人回到了霍布斯所说的自然状态。于是乎实力成为了衡量是非的唯一标准，暴力成了解决问题最为行之有效的方法。正是在这样的情况之下，纽约街头的暴力犯罪及帮派文化才愈演愈烈。在男女主人公深情款款地唱出《tonight》之后，人们还沉浸在默默温情之中时，导演笔锋一转，画面中火箭帮的小混混们聚集在一起以嘲讽的口味讽刺那些以医生、律师为代表的中产阶级的伪善与道貌岸然，这些人口口声声宣称要关注弱势人群而从来没有实际行动，口惠而实不至。正是他们将这些生活在社会底层的人鄙视为社会癌细胞，万分地厌恶。影片以小混混的视角无情地揭露了这一事实，在嬉笑怒骂之中唱出世间无尽的人情冷暖。观众在会心一笑之余不由地感到一丝的辛酸与无奈。
鲨鱼帮与火箭帮的最终决斗选择在一座桥下进行。头顶大面积的红色钢精桥身渲染了影片危机四伏的紧张气氛，两个帮派的决斗一触即发，流血似乎不可避免。果不其然，两大帮派的头目因为男主角的原因先后丧命，血溅当场。一时间，众人手足无措。此时警报声大作，众小混混翻越铁丝网，钻入地下管道四散而去，就好像见了光的蟑螂、老鼠一般慌忙逃窜。影片运用视听语言形象而生动地再次提醒观众他们的社会阶层，提醒观众在他们眼里貌似美好光明实则残酷龌龊的社会之中，有一大群类似于他们的这些人在城市阴暗的角落里为了生存如同蝼蚁一般挣扎残喘。
同时，当人的正常社会需求在现实生活中无法得到满足时，人类会很自然的寻求宗教的慰籍。影片女主角的出场常常伴随着宗教元素。她显然是一名虔诚的天主教徒，在她的卧室里供奉着圣母，每当遇到困境与疑惑时她都会向圣母像祷告，寻求帮助。当阳光透过五彩斑斓的花窗射入她的卧室，洒在女主角的身上时，她仿佛是不食人间烟火的仙子，得到了神圣的庇护与祝福。在裁缝店中，男女主人公情到浓时不禁模拟起了他们的婚礼，此时上方的镶有十字架的天窗投射下了一道金黄的光束，笼罩在他两身上。一时间，他两的两情相悦仿佛得到了来自神的祝福，一切世间的纷扰离他们远去，两大帮派之间难以弥合的分歧亦无法将他们阻隔。
作为一部歌舞片，影片镜头的流畅感无疑十分的重要。在这一点上《西区故事》做的非常的成功。这一成功的取得不仅来源于影片编舞的功力深厚，将舞蹈的表现手法有机地融入到现实生活中来，将生活中的动作舞蹈化。例如一开始，火箭帮与鲨鱼帮从篮球场一直转移到街道的剑拔弩张的对峙，整个过程一气呵成，丝毫没有做作生硬，不自然之感。另外，流畅感还来自于成功的剪辑手法与巧妙的剪辑点设计，影片大量运用了相似动作的动接动剪辑，十分地顺利成章，在心理和生理（视觉）上没有给观众带来突兀感，这对于一部歌舞片来说既是其最低要求，也是评价一部歌舞片成功与否的最高标准之一。
最后要提的是，影片的视听语言显然有些落伍了，通过明显地模糊化处理配角而突出主角、用对比强烈的红蓝两大原色灯光（纯度很高的彩色光源来自于花窗，合情合理）来反映男女主人公内心的煎熬以及暗示他们的阴阳两隔……这些手段在时下的好莱坞大片中已经不在流行或者直接就被淘汰了，但是在该片中却显得淳朴而直接，符合那个年代美国的时代风貌，符合波多黎各的民族性格。总之是合情合理而独具“匠”心的。
《西区故事》总的来说是一部值得一看的经典之作。莎士比亚在《仲夏夜之梦》中说“最好的戏剧不过是人生的缩影”，而好的影片应当是一个时代的缩影，《西区故事》就是这样一部电影，在其中我看到了60年代的那个美国。

Golden Bridge 老师，这是我的作业，不要误会了~