制造伍德斯托克音乐节

我不了解音乐节文化，就是简单的当做电影来看。这也不是影评，更像是观后日记。


如果有一辆小巴，我也会找一个我爱的人去环球旅行。关掉所有的电子设备，准备好干粮，酒，飞行物，然后就上路。要去好多有趣的地方，偏远的地方。遇到气场相合的人，就叫他加入我们，分享我们的食物，分享我们的地盘，分享我们的精神。最后还可以弄一个二次造访，途中给想念的朋友寄明信片或者写信。

见到保安，要真诚微笑的对他说，PEACE,MAN!

所有的人都和平相处，赤裸面对，随时可以拉起陌生人的手，跟着音乐就跳舞。没有负担，没有烦恼，心中只一片和平和爱。



电影那一段我不禁流泪了，就和影片里的人一样，看着绽放出花朵的舞台，看着人潮涌动成河流，大家都只为了一个目的相聚在一起，这就是大爱啊，这就是自由啊，这就是和平啊。

这不是李安第一次将镜头伸向西方私属精神领地，十几年前那部《理智与情感》则是李安首次触碰具有英国传统文化象征的简•奥斯丁作品。所幸地是，电影并未因着导演出生东方而失却光泽，反而因细腻的阐述，大放异彩。然而这一次，幸运之神没有眷顾李安。一个骨子里浸润着中华文化的华人导演，举起导筒解剖独属于西方私属精神领域的伍德斯托克精神，本来就是一件极其冒险的事。西方影评人在看完这部有关“伍德斯托克音乐节”的电影之后，用极其严苛的字眼抨击李安避重就轻，将众所瞩目的“伍德斯托克音乐节”淡化成一个犹太男孩成长的注脚；将原本可以拍得激情四溢的“精神图腾”弱化为李安擅长的“家庭与成长”的母题。李安选择以自己的方式去拍电影，本来无可厚非，但错就错在他选择了上世纪西方最具标杆意义的乌托邦事件。1969年夏发生在那个偏僻农场的事，对于整个西方来说，意义非凡。那不仅仅是一场规模盛大的音乐节，更是一代人追求自由理想、反叛精神的集中宣泄。“伍德斯托克”早已升华成西方世界的图腾，一个乌托邦神话。
因此，想从李安影像中重温四十年前震慑人心的“伍德斯托克精神”的观众注定要失望而归，这部电影以极个人化的叙述角度讲述犹太男孩埃里奥特如何筹办音乐节的前后过程，李安关心的仍然是其擅长表现的“家庭关系与个人成长”。他不厌其烦地描述筹办音乐节的细枝末节，一如既往地温柔细腻，犹如春风拂面。于是观众可以从画面中看到跟音乐节纪录片类似的“男女裸体同浴”、“朝圣路上蜿蜒几千里的大部队”、“放浪形骸的嬉皮士”、“全然无禁忌的性爱”、“越战老兵”……唯独没有感应到音乐和自由、乌托邦梦想以及垮掉一代的精神内核。有人将李安轻描淡写归结为，中年人回首年轻时代的风淡云清。也许李安对阐述“伍德斯托克精神”并不感兴趣，还是那句老话“无论李安拍什么，他都在拍一部自己的电影”。这部电影亦是。男主人公埃里奥特投射了导演自己的影子。那个无论从外型还是举止、穿着都给人温顺印象的犹太男孩，与放浪形骸的嬉皮士青年相去甚远。恰恰与李安外表温文尔雅、实则内心狂野的形象神似。这部电影拍得极其放松，从诙谐生动的配角形象（顽固刻薄的守财奴妈妈、恪守尽职的异装癖），到撩拨人心的“泥浆滑翔”，家庭矛盾导致的冲突转折，众人筹备音乐节的轻快节奏，还有戏剧团嬉闹自由的裸奔。正如李安自己所说：“之前拍的电影一部比一部沉重，正好借这部放松一下”。他用这么轻快地方式来解构一场历史事件。在诙谐轻快的描写中，个体、家庭与历史大背景融为了一体。李安理解中的嬉皮士精神完全无关激情、朝圣的严肃，这就是李安对1969年的个人解读。
全片高潮无疑是埃利奥特与同伴嗑药后产生的幻觉，流光溢彩的画面极其挑战视觉，在埃利奥特的眼中，色彩与画面渐渐流动起来，产生难以言表的美感和幻觉。如此大胆惊人的视觉想象，为观影者提供了难得的视觉体验。埃利奥特站在山坡上俯瞰音乐节全景，人山人山的农场山坡顿时犹如波浪起伏，音乐节中心霎时升腾起媲美浩瀚银河的璀璨星光，如梦似幻，优美绝伦。此情此景，美到心脏难以承受的程度，埃利奥特激动得泪流满面。恐怕这便是李安心目中音乐节最摄人心魂的美丽图景——乌托邦梦幻的画面。梦醒过后，依然要面对现实。这是经历过伍德斯托克音乐节的人的不幸。美国当年参与过这场音乐节的人跟主人公一样，回家也要面临离家成长。3天关于爱、和平与摇滚乐的音乐节堪称无法复制的奇迹。伍德斯托克到底是什么，一百个人心目中有一百个答案。1969年的夏天，一去不复返。

先要用两个感叹号表达下对里李安新作的激动之情。今年戛纳，看到第六部电影，终于第一次感觉，时间愉快的过去了。

然后澄清关于此片的几个说法：1.这不是一部讲述音乐节本身的影片，全片甚至没有一支完整意义的乐队登台。2.这不是李安的第三部同志片，主角的小艳遇的确表明了他的取向，但同性感情不是故事的主线。3.这不是一部严肃、深刻的影片，至少不是一部貌似严肃、深刻的影片，它颠覆了李安之前作品的压抑和沉闷，故事流畅而情绪飞扬。李安的这部小片，也许不具金棕榈像，很多人也许会失望，而对我来说，则是惊喜。

1.

诚如李安自己所言，在拍完《断背山》和《色戒》之后，《制造伍德斯托克》是他用来放松的一个小品。影片拍得情绪飞扬，满足了人们对那格神奇年代的向往，充满了伊甸园式的虚幻的美好，电影对音乐演唱会的唯一正面描述，是elliott和一对流浪的男女分享大麻，然后再山顶远远看了音乐节的全景，其中用华丽的彩色和魔幻的镜头表现了人物沉沦飞扬的状态。虽然再盛大的聚会最后都是一场虚空，垮掉除了能让我们躺倒，不能解决任何实际问题，但没有沉沦，哪来坚定，没有放浪，哪来自由？在好莱坞拍了这么久之后，李安终于能自由的用自己的方式解构和yy美国人的经典记忆，想必他也是认同这句话：能垮掉是幸福的。

2.

《制造伍德斯托克》以音乐节创办人Elliot筹办音乐会为故事主线：他于1969年的夏天无意中在报纸上发现“伍德斯托克音乐节”原来的主办场地被撤销了，于是打电话给组织者并找到了新的场地，牵扯进这场20世纪最伟大的摇滚音乐节当中，而更重要过的是，在参与这个伟大事件的过程中，elliott本人和父母也重新梳理了家庭和个人的关系。在很多人的想像中，这部电影主题会是记录一个伟大的事件和一个伟大的年代，而事实上，这部电影却把一个宏大的历史背景当作一个个体人成长的注脚，举重若轻，这不正是李安所擅长的把戏么？

Elliott决定筹办伍德斯托克音乐节，原本是为了吸引客源，解决父母经营的motel的财务问题，但影片最后却探讨了elliott要“到哪里去”的问题。Elliott的父亲是一位保守、沉默、平淡的小镇居民，压抑的激情却在音乐节中得到了释放，而elliott的母亲则是一个顽固的守财奴，“她只相信现金，对于支票都缺乏安全感”，她对火爆的音乐节充满着复杂的感情。全片的高潮，是在elliott父母误食含有大麻的蛋糕之后，他们所表现出来的癫狂，完全解除了生活平时的压抑。而34岁的Elliott也开始正式思考离开家庭，正如他自己在台词中和父母强调的一样，他也许是34万来朝圣的嬉皮士中最单纯和干净的一个，可是对未来的迷茫却是一样的.

3.

对美国人来说，伍德斯托克音乐节不仅仅是一个音乐节那么简单，3天45万嬉皮士的聚合，几乎零死亡的摇滚聚会，它更像是一个时代神话般的Icon，它是所谓的垮掉的一代记忆中最美好而纯洁的一部分。因此当李安选择这个题材的时候，就好象他当年去挑战简奥斯汀的《理智与情感》，属于闯进了美国民族的精神私属领域。但是，任何故事，李安来拍，都是他的电影。

《制造伍德斯托克》此前在美国试映的时候，并没有取得一边倒的叫好，即使在戛纳放映之后，欧美的记者也给出了比较保守的评价。对西方人来说，伍德斯托克是一个更具时代意义的象征，应该像去年索德伯格拍《切格瓦拉》那样拍得沉静而宏大，即使镜头沉闷无聊那也是可以被原谅的。像李安这样用个体和家庭这样一个小的切口去表现，恐怕是他们不愿意看到和认可的，也许他们会觉得太轻浮。此外，电影对于音乐的表现的确太过吝啬，这当然跟李安电影角度选取有关，也可能和李安无法准确把握那个时代音乐精髓，刻意回避有关。还是不能两全的遗憾了。

4.

在《喜宴》和《断背山》之后，李安显然被定为“背背大师”了，因此《制造伍德斯托克》在此前的媒体关注过程中，同志题材一直是一个焦点。但从剧情看，尽管影片中也有一个异装的粗壮男人，但他和elliott只是友谊，而且表现的是对自由的追求：“我知道我是什么，别人是否知道我是什么有什么关系”。

《制造伍德斯托克》是根据音乐节创世人elliott的自传体小说改编，在原著中的确有很多他个人取向的内容：正是因为音乐节崇尚自由的感召，一直没有出柜的他才向父母袒露实情。应该说这部分内容是很贴合李安要表现的主题，但从电影成片来看，李安似乎刻意淡化了这部分的内容，家庭故事在爱情故事之上，至于这样取舍的原因，还是发布会上去问问他本人了。

       一位北欧的航海家说过这样一句话：“航海是必要的，生命是次要的。”
    这句话同样适用于李安的《制造伍德斯托克》。
    过程，才是这部电影的主题。并不是着重描写音乐节上的见闻，所以很多认为这是一部有关那次著名音乐节的电影的人，看完后都非常失落。影片的评价也因此参差不齐。
    而李安正是抓住了举办这次音乐节的人们各种各样的心理，非常细腻地把一个完美的过程展现了出来。有时候结尾不是那么的重要，而恰恰是过程，才是我们应该认真享受的。就跟人生一样，最后再怎么样都得一样地死去，回首望去，让自己不后悔，让自己高兴的，都是那些在路上发生的事情，无论是好是坏。
    那一代的青年爱自由，向往着美好梦想。他们反战，他们反权威，他们爱好和平，她们向往爱，她们是女权主义者。这一切在现在看来是那么的单纯，那么的不可复制，因为思想与青春的结盟是强大的。他们抛开了一切束缚，来到伍德斯托克，享受爱、自由与音乐。
    我们在路上，本身就是种自由。
    就像凯鲁亚克那本《在路上》里写的一样，生活不会不断地复制，主人公们永远都在路上，结识新朋友，开着车全国到处跑，没有目的的活着，虽然这些使内容读起来很费劲，但正是这种后现代风格，体现了当时乃至现在很多人崇拜的精神——爱自由，在路上。
    李安在电影中想表达的或许就是这种享受过程的思考。没有通往自由的列车，自由是靠自己争取过来的。埃利奥特和家人朋友克服种种困难，制造着音乐节，最后如此的成功，难怪影片的最后他站在那里不停地说：“真美，真美。”难道不应该么？
    什么叫人生？难道只是一个干巴巴的结尾么？不，不是。人生是一个过程，从我们出生那天起就已经在路上了。我们在路上认识各种各样的人，发生千奇百怪的事情。为什么会回忆，为什么有故事可讲，那是因为大多数人的人生不是被设计好的，我们并没有因为知道前方道路充满荆棘就放弃前进，而是抱着不知道的态度面对它，这才是平凡的人生。
    所以说李安的这部作品很像是一部公路片，一部包含了许许多多真正美好事物的公路片。它反映了上个世纪六十年代人们的生活，其实这才是关键的，人们总强调伍德斯托克音乐节多么多么伟大，但若是没有整个大时代背景，那种特有的生活和思维方式，它的伟大体现不出来。
    制造伍德斯托克的过程不光有和平，有音乐，有女权，有反战，最关键的，还有爱。音乐节结束后的一天早上，埃利奥特和父亲告别，他问父亲：“这么多年你是怎么忍受妈妈的？”老父亲停顿了一会儿干脆地回答：“我爱她。”

文/冯凝
 
Taking Woodstock，重点在Taking。与之前在文艺青年群体内大火的《海盗电台》，甚至《几近成名》相比，这部与音乐关系密切的电影并不那么具有音乐电影的特质，甚至全片没有出现任何一段超过1分钟的音乐演奏段落，伍德斯托克也仅仅被弱化为一个叙事背景，不知李安导演是难于拾起操控这种纯美国式的音乐电影的勇气，还是刻意选取其他角度投射他内心的另外一些欲望，但可以确定的是，戛纳对影片的反应可谓不温不火。在历史事件下聚焦个体人物，随之发展衍生出关于人性的主旨，似乎是李安近来创作的典型模式，也许这在威尼斯很吃香——《断背山》《色戒》都凭借这样的设定摘取金狮——但不一定适合所有人的胃口。
《制造伍德斯托克音乐节》唯一真正的背离“李安模式”在于全片都平稳的潜伏在一条温顺的剧情线上下，没有剧烈的波动和冲突。之前的电影常常在影片的高潮和结局阶段设置的那种具有震撼性的当头一棒，在本片中了无踪迹：我们在《冰风暴》《色戒》《断背山》里不断经历着死亡的洗礼，即使是处女作《推手》，也有郞雄扮演的父亲以太极拳对峙餐厅员工的场景，而《制造伍德斯托克音乐节》中李安牢牢地将叙事高潮抑制在远离爆发的边缘，极其内敛地将一个家庭的破裂与重生以对话形式呈现，破坏了他作为标准的纽约大学电影系学生应该遵守的好莱坞叙事法则，这种满足导演艺术创新（单就李安这样一位导演而言）突破的结果，自然是一种代价。
即使如此，影片依旧能够按照典型的好莱坞叙事手法分割为四部分，其中开端部分是开场直到第23分钟，从23分钟到第61分钟是铺垫，这同时也是最长的一部分，占据了38分钟，再到第94分钟完成了影片的发展阶段，时长33分钟，最后的25分钟是高潮和结局。

开场：“Who’s paying for all that ?”
        影片以一组固定镜头开场，交代了生活在白湖的艾略特一家经营的旅馆周围的环境，可以看出这里远离尘嚣，树草葱郁，为之后音乐节的赞助商对地点的首肯提供了物质基础。这组镜头中，第一个出场的重要人物是艾略特的父亲，他正在旅店屋顶上进行着修缮工作，而他的妻子正接待第一个前来住店的旅客，而后便步入房间收看电视。电视的内容无非是世界各地的战争，交火，骚动和美国的登月行动，这暗示着美国时局和经济萧条。
 
        事实上，整部电影的开场段落的目的是为伍德斯托克音乐节被临时迁至此地制造条件，此外交代男主角一家的家庭状况，这两条线索具有映射性的相辅相成，构成了《制造伍德斯托克音乐节》所有的叙事：李安的野心并不在于将一个历史性事件的始末事无巨细的完整呈现，史诗《色戒》造成的身心俱疲几乎决定了这部作品的轻松基调，李安仅仅是借用了“伍德斯托克”这个具有反战、民主、自由等一系列嬉皮士特点的幌子，讲述了一个家庭的否定之否定的发展历程，最终渴望自由的父子会冲破那个守财奴母亲的束缚，获得心灵上的无拘无束。那么开场段落的两条主线以这样的方式呈现，相当合情合理。
        守财奴母亲对待顾客，银行追贷员，甚至父亲女儿的态度，被戏剧性地刻画为不输葛朗台的吝啬鬼一般，这在一定程度上反映了特殊时期市井小民的心理和生存状态，也是电影终极主题实现的第一道障碍：她既是伍德斯托克音乐节得以举办的具有否决权的人，也是丈夫儿子能在本次事件中获得新生的最大禁锢。显然，这个人物在抽象层面上的意义要更大于作为叙事元素的设定意义，因为究其根源，艾略特母亲的性格是守旧思想的集中体现，正因为时局纷争，百姓对攒在手中的生活极度不安，对破产的恐惧侵蚀着他们的内心，而此时，才需要伍德斯托克音乐节这样的自由盛宴去解放思想。
        为了进一步塑造母亲的形象，李安设定了三个段落，一是反衬，二是例证，三是证词。艾略特与姐姐的对话是借她之口再次对母亲的吝啬进行嘲弄，而艾略特所承担的商会负责人一职召开的会议，更是将市民们如同母亲一般的嘴脸刻画的淋漓尽致，同时，借居在艾略特家仓库中的先锋戏剧表演团更是那个在母亲这个女王压榨下苟延残喘的群像写照，他们口中寄托着艺术被认可，填补肉体和精神饥荒的渴望。至此，李安基本完成了对白湖周遭市民们的塑造，也使得这样一个山穷水尽的地界举办无人接手的“烫山芋”——伍德斯托克音乐节成为可能。
 
作为男主人公的艾略特，一直以来就是一个被所谓的责任束缚，无法天高任鸟飞的形象，对于那些曾经的朋友漂游全国，追寻梦想的事迹，他总是一面渴望保持联系，一面委婉的拒绝他们同行的请求，而且不得不把自己的工资用于母亲的还贷事业，这样一个生命金钱全权由母亲霸占的男孩，李安为他设计的结局，正是将他的本性释放，完成一次从极端走向另一个极端的涅槃行动，而此时伍德斯托克音乐节方才成为契机，被引入整部影片的叙事结构之中。由此可见，影片名称的题眼在于“Taking”而非“Woodstock”。在众目睽睽之下，艾略特拨通音乐节负责人的电话的镜头，结束了影片的开场部分，此时，艾略特已经决定用自己的行动开始拯救这个强权的压迫的剥削的地盘。

铺垫：“Looks like we can work with this.”
 
        影片的铺垫部分开始于一场直升机的降落——在艾略特母亲经营的汽车旅馆前的空地上，艾略特用母亲最为宝贵的床单铺成十字形，让前来勘探伍德斯托克音乐节场地的迈克一行能够降落，显然这触犯了艾略特母亲的“天规”，而之后那些裸体的先锋剧团演员的出现，更是让那个吝啬鬼崩溃。这时，自由与封建双方的对峙开始了第一次的抗争，衣不附体的人们对着降临的直升机如同膜拜偶像一样进行着宗教仪式一般的跪拜行动，而从直升机上走下的人们，正是之后即将引发音乐节的中坚力量，艾略特母亲注视下的这个握手，暗示着年轻人即将联手抵制世界的霸权。
        新运动的举办必须有经济基础和组织基础，影片的铺垫部分基本上就是围绕着这两方面展开，事实上，整部电影关于自由主题的言说，是在铺垫部分的结尾，也就是全片的中间部分，才由男主角艾略特面对参加新闻发布会的记者们说出。
        两方面基础的展开自然也必须围绕关于反传统、反守旧的基调展开，以迈克尔为首的新势力，在艾略特为中轴的调和下，开始对白湖进行着辞旧迎新的大改造，他们输入资金，输出宣传，从各方面包围曾在开端部分被一一交代的白湖市民们，以半骗半哄的方式，促使当地居民从抵触到信任再到欢迎的心理变更——历史惊人相似，这像极了53年至56年我国探索一化三改造活动中的举措。谈判的最终结果是双赢，李安在设计这些段落的时候，充分利用了影片本身的喜剧基调，以极小的段落组合拼贴，以小见大的完成了真正相关与“制造”的宏观叙述。
 
        在积极讲述第一条叙事线索的同时，李安自然不忘对其进行穿插，交错叙述艾略特一家的历程。此时，在开始段落永远默默无闻的父亲，已经学会在这场新式民主运动中找到自己的位置并且积极主动的参与其中，在获得存在感的同时也收获了归属感，父子联手反母的行动取得了进展。然而李安并没有将那个母亲极端脸谱化符号化，父子对待母亲依然具有那种发自内心的关爱和将心比心的照念——在自家房屋被画上纳粹标志的时候，两人商量的是如何不让母亲知道——因为母亲一直拿自己是纳粹屠杀中幸存的犹太人说事。
        更为有趣的是，开场一组镜头过后出现的电视机，此时又扮演了双重作用——传递时间概念和隐喻主题元素。在这场内景夜戏中，父亲母亲在关注着电视中直播的阿姆斯特朗登月的历史时刻，而画外音一直传递着一小步，一小步的话语，显然是为了照应现实中伍德斯托克一点一滴的发展的重大史实，李安是极为擅长利用这类元素进行点拨的导演，就如同法斯宾德在《玛丽莲.布莱恩的婚姻》结尾处播放的世界杯足球赛广播声一样。
 
        铺垫阶段是全片最长的段落，在伍德斯托克音乐节开始之前花如此长的篇幅交代筹备的过程，自然是为了在发展阶段中积聚足够的能量。影片不断设置一些伏笔使这个巨型音乐会以一种无与伦比的方式向前发展与推进，并进一步构建即将到来的事件。在这个相当长的段落中，有无数的量变贯穿着母亲那种贪婪与吝啬的发挥，艾略特渐渐无法忍受那种束缚，他的情绪在这种耳濡目染和成为音乐节创始人之一的兴奋中发生着强烈的化学反应，结果必定导致质变。最终，记者招待会上，艾略特西装笔挺的出现在公众面前，一来这是他们家庭的经济状况得到巨大改善的标志之一，二来，也是昭示着艾略特已经长大成人。他在会上关于自由的一番演说，是他寄居在母亲独裁淫威之下的一次大爆发，当然，也促成了音乐节规模的无限扩大，他说“Freedom is often considered , to be , just another word for being free”。

发展：“Let’s go swimming!”
        影片的发展环节是全片最具有梦幻色彩的部分，一方面是因为男主角艾略特真正踏上了寻找自由的朝圣之旅，另一方面是李安试图以梦幻来代替那个无可复制的伍德斯托克音乐节。在耀眼的烟花渲染下，艾略特泪流满面。
 
        从影片开场，李安就频繁使用一些他在原来电影中从来不曾使用的段落，比如分屏处理同时不同地点的事件，比如利用故意做旧且还原4：3银幕比例的镜头来拍摄某些场景，这种手法是李安追求纪实性的一种尝试——复原那个文艺青年心中圣洁的年代，光靠美术似乎依旧欠缺一些力道，与以往李安电影的摄影风格不同的是，这部影片中李安的镜头并没有那么精准细致，似乎只有不断晃动的手持摄影，然而这些场景仍然能够与表现伍德斯托克音乐节现场绚烂至极的镜头相得益彰，李安把握观众心理节奏的能力可见一斑。
        在裸体青年们溪中戏水一场，父亲儿子在这幅如同伊甸园的场景面前，达成了从未有过的一致——这个看似平时极为沉默寡言屈服于母亲淫威的父亲鼓励儿子亲自去参加这场音乐盛会，似乎父亲无法完成的心愿，将交给儿子达成。这场戏大部分镜头采用了剪影拍摄，突出人物在这一场景当中的宿命感和转折的重要意义。
        时至此间，李安才将伍德斯托克音乐节的真容让观众窥得一斑，那些关于反战的口号在一些标语和海报中被特写镜头捕捉，但似乎这根本不是李安所聚焦的方面，故事依旧围绕着男主角在这个一手策划的活动中找到的那份自我而展开。在其中，世人皆兄弟的理想真正得到了实现，路边结实的男子女子从未互相了解便可以过夜，相拥在帐篷中的小铺盖中扭打成一团做爱，在人山人海的胜景之前泪流满面，这一刻，艾略特真正体会到那种可以被称为乌托邦世界的无拘无束，这份真实来临的那么切肤，使他压抑已久的欲望的到最大程度的宣泄。
 
        李安以母子之间最剧烈的一次冲突结束了发展段落，艾略特终于在享受了片刻自由之后认清了生命和自我，面对母亲的呵斥，他有礼有节的反驳，虽然即使如此影片依然不温不火的前进，但显然，这已经是最大的矛盾激化的前兆了，随着一场大雨的降临，影片在第94分钟的时候被带入高潮阶段。

高潮和结局：“It’s beautiful .”
        影片的高潮部分依旧是由两部分组成的，首先是交代伍德斯托克音乐节的结局——一场大雨导致现场一片狼藉，但参与者兴奋异常；其次是这个家庭的结局，艾略特在认识到母亲的本质之后终于决定追寻自己的梦想。于是，这两条线索的对位从一开始便交缠着直到影片的高潮和结局阶段，都未曾脱离关系。
 
        其中关于家庭“重生”的事件是这一部分更为重要的情节，在最后的背叛发生之前，导演设定了一场黑暗前的黎明，一家三口以从未有过的欢愉姿态面对着这场滂沱大雨，母亲以几乎令人不敢相信的动作表情传达着一些信息。然而这正是最后崩盘的导火索，母亲的醉酒行为导致她揭出了自己的老底——她瞒着父子自己筹措了一大笔美元，九万七千美元。这个事实让儿子最终下定决心离开母亲——即使父亲能够大度的原谅妻子的一切。
        李安从“父亲三部曲”开始就擅长刻画关于家庭的矛盾，但关于吝啬这样丑陋的主题确是第一次——虽然《冰风暴》中的成人游戏也并不多么高尚，这个东方导演总能采取特有的含蓄手段瓦解一切，比如父子的最后一次对话，当艾略特问父亲：你怎么能忍受着母亲一切40多年？父亲的回答是，我爱她。这场戏中，曾经有隔阂的父子终究能敞开心扉，吐露胸中汹涌已久的一切，生命的力量煞那间成为他们继续活着的勇气，黑暗的镜头之下，李安总能寻找到那一丝温暖。
 
        最终人们离开了白湖离开了伍德斯托克音乐节，李安没有按照史实描写主办方亏损的200万美元，而是以狼籍的现场做结，即使剧中人对狼籍的定义为“amazing”。李安这样改编的目的是为了让男主角的自由显得更为彻底，因为没有牵绊的他，已经将所有装进了车中，在伍德斯托克之后，他将一往无前的追求自由。

安导（递上话筒），请问你在生命中错过了谁吗？啊啊，不要想用腼腆的笑蒙混过去啊，我很肯定你是错过了很重要的人吧，你知道电影是不会骗人。

不过我不认为安导一定错过的就是男人啦（虽然以他最近拍片的迹象来看……），只不过相比于男女间的关系来说，同性之间的感情多少是超越于社会责任之外的。我从来没有听说哪一对男男，或者女女是为了“年纪到了，家里开始催到了，差不多要结婚生子”而交往的，所以这种感情可以说更加生物性，也可以说更加纯粹，至少可以首先保证是“看对了眼”才开始的。安导说“人人心里有一座断背山”，那不是指“禁忌之恋”，而是单纯的指“没有未来，没有理由，就是单纯的死心眼的爱上一个也许并不值得的人”。人一生多少会有那么一个人——啊，等等，我好像串去王家卫的台词了。

我对安导的感情也许比王家卫还深一点，一来《喜宴》跟《东邪西毒》一样是在我青春期中扮演了非常重要角色的电影，二来也是当年作为极少数读过“前-新武侠小说”时代的作品人，在那段为了《卧虎藏龙》跟人口水大战不休的年代里，培养出了一种“同仇敌忾”的阶级感情。三来，安导是极少数在摄影机后不设定预先立场的导演，可以看得出他为自己电影里的每一个角色都设身处地地想过，考虑过他们的背景，他们的难处，他们的决定，给每一个角色留出余地，他理解也同情着每一个人，我喜欢。

但是套用Forman对13说的话（见美剧House），一个人对待这个社会的态度往往取决于其自身，所以如果一个人极力反对“贴标签”的行为，就说明其自身是个“很难分类”的人。同理，如果一个人不愿意去表达过于强烈的个人意见和情感，就说明其自身存在着某种伊还不懂得或者无法正视或者无法决断的情感/意见。就好比说，很多人觉得我对各式各样的怪人怪事都能很心安理得地给伊拉找理由并最后发表诸如“我理解”或者“干旁人P事”之类的意见，其本质原因，是在于我本身就是个怪人。

安导和嘻皮士——说真的，我看不出这当中的联系。倒是我的某些行为被人说有几分当嘻皮士的态度——比方说只把家当成“睡觉的地方”，不在乎房子多大，装修多好，所以一直也没有“存钱买房”的概念；不会预先几个月做准备，把旅行当成冒险，常常背上了背包就出发，没有旅馆的时候就无所谓地睡在车站，公园的长椅，或者被陌生人捡回家；如果在路上遇到下大雨，就索性脱了鞋子顶风而行；对于裸露相当随兴（某同学：我某日看到你露点耶。 某只：哦。 某同学：汗！）等等，不过我把这种归结于“随遇而安”的天性（这一点有点像片中的Micheal Lang，我也是那种再大的事都一副死样地擅自决定“反正总有办法解决的”态度），还有就是我曾经在农村住过三年，除了学会采茶，插秧，捉蚱蜢，还有如何跑得比邻居家的大黑狗快之外，就是能够跟野地（甚至乱坟岗）都和谐相处。而Hippies，据某个父母是Hippies的美国人说，是以“love and peace”为座右铭（嗯，请问，你们是跟哈达王子一个星球来的吗？），将一切行为都“自然化”的奇特种族，那位美国同学称当时为“美国最为文明的时代”，把我乐得半死。大致特点就是热爱音乐，热爱野营，热爱大麻，热爱天体运动，热爱随处做爱，之类的……换句话说，是在追寻着人类天性中能与大自然产生 “美”的共鸣的声响而生活的方式，所以那位同学从小长在大篷车里，受的是“家庭教育”，有印第安名字~~~

很难想像一个始终在讲述东方式伦理和感情观念的导演突然采用这个题材。如果不是开头大打出Ang Lee的名字，我会以为这是部新进导演拍低成本影片（成本应该就是很低吧），当然如果不是海报上有这个名字，电影厅里可能也不会坐那么多人，毕竟这部电影相当的“流水账”，几乎没有故事，只有“事件”，所以无所谓什么开端发展高潮之类的，主干由各色人物，各个片段，另加有一搭没一搭的对话拼成的，相当像电影中的嬉皮士穿的花花衬衣的“非主流”电影。虽然法国很多这种类型的电影，但嬉皮文化在这里没什么共鸣，欧洲似乎没有出现过这种大规模的文化族群兴替现象，如果我没记错的话，越战时期，法国正是“咖啡馆文/哲学”蓬勃的时候，不太一样——啊，不，应该说太不一样。至于中国么，咳咳，应该说中国人就没怎么自然过，而且自从我懂事以来基本上受到的环境熏陶就是“一切向钱看”，因此以我的成长背景似乎没有办法来评断说本片是否有正确地反映出Hippie精神和当时的Hippie文化。不过我还蛮欣赏安导在影片开头切入影片发生的地点和时间背景的方式——坏脾气的老妈看当时代的电视新闻，旁边摆着全家福的照片。安导拍风景，点细节和安排音乐一向是强项。

整个“音乐祭”，从一开始死气沉沉，几乎感到无路可去，无可无不可被抛弃的一个决定，到时来运转渐渐的激发出Eillot和Billy内心的叛逆青春，到最后在兴奋剂的幻觉下腾升为某种压抑在内心深处的感觉终于不受控制激荡而出的华美。终于选择离去的Eillot，跟他那个用20年存了近10万美金，却每天吃着无味的食物，过着单调的生活，天天不见笑脸，只是在吸食了大麻之后才抱着它们睡过去的怪脾气妈妈，是两种生活方式代表。不能说安导赞同了某一位，否认了某一位，毕竟最感人的台词我认为是当Eillot问他父亲说“你怎么能忍受跟她生活40 年”，爸爸桑只是简单的回答“我爱她”，这个“爱”字当胜过无数浪漫爱情剧的表白了，无法责怪的，甚至连我这种一直觉得不可能在婚姻关系中完整存活下来的人也觉得的温暖，最为平凡也最为深沉的话，我想，即使我对婚姻制度存在着这样那样的怀疑，但是仍有很多白发携手在十指交扣间传达着这样的情感（是的，我是单亲家庭的小孩，但不代表我不相信人世间存在这种“无论贫穷疾病困苦，即使见过你最难堪的一面，我仍然不离不弃”的感情，事实上，我信的，所以朋友结婚的时候，每个祝福都是真心的）。那些音乐祭中遇到的困难，是我们青春中所受到的约束，而音乐祭则是人生的“机遇”，用Micheal Lang同学的话说，在这样的时候，来到这样的地方，恰恰好，“这是命运”。有些人选择敌视，有些人选择接受，有些人选择离去，有些人选择留下。无法评述哪一种选择是正确的，只希望每一个选择都是发自真心，而不是出自“无奈的责任”。

我被人说有“魔音穿脑”神功，大概是说我鬼话连篇，偏偏在说的时候老神在在，论据十足，仿佛对自己说的每句话都十分有把握的样子，因此影响了一些人的决定，从而也不知道是好是坏的影响了别人的人生（范围从学习选择专业，到决定别人性向，到提点别人“喂，你实际上喜欢xxx”，无论入错行还是嫁错郎，都有一笔烂账背在身上，后来翻然悔悟，知道自己不是一个适合 “给意见”的人），安导的电影也有这种功能，或者可能只是我们的频率能对上吧。实际上在这些年的行程中，我做过无数吓掉别人眼镜而在我看来根本无惊地险不需要在意的事情，只有一桩，每次出行的时候都觉得“是时候做了”，每次却临阵退缩的——就是在旅程中找个帅哥或者美女“站一夜”。我自认还无法承受“长期的一对一”这样的关系，是个性太糟糕了，而且在没有爱到的状况下，真的一点都妥协不来，但在旅程中就无所谓，两个陌生人，名字都可以是假的，没有什么后续，只存一段回忆，应该是蛮好玩的。很妙的是，安导这部电影居然给了我“下次一定要站”的勇气，神奇。

从《断背山》到《色·戒》到Woodstock，安导，错过的人和事是无法再重来的（过来人语气），再回首已然百年身，一切都变了。但是只要火山还没有死绝，你也听过那个渔翁和作家的故事吧，得到了一切却错失了自己，绝对是遗憾啊，所以人生中至少一次，请恣意。

PS:Liev Schreiber演的Vilma我觉得还蛮性感的耶，有打动到我（是的，我是说“那方面”）。他比较适合扮女装，别有一番风情，比男装性感（众：你的口味有没有太重了一点啊啊啊啊啊啊！ 某只：我就不相信只有我一个人这样想！哼）